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昨日(5月24日)，赴吴昌硕纪念馆参加“交相辉映——陈秋生水墨丹青、尉涧松炫彩瓷艺艺术展”的开幕。
这不仅是一场从平面到立体、从墨色到釉色双面联动的展览，更有意义的是，这也是沪上首场在海派文化基地、融合呈现海派书画作品与海派瓷艺作品的展出。
虽然两位艺术家的创作载体、艺术风格各有不同，但两人以相通的“文人情怀”、对艺术的“执着追求”，借宣纸与陶瓷开展的艺术对话相映成趣，着实大有看点。
我与两位艺术家都相识多年，他们皆自小学习水墨、深受中国传统艺术文化影响。但不同的成长路径，以及对载体的不同选择，让我们看到了中国水墨、中国传统艺术元素在当代表达的多样性。
陈秋生，吴湖帆的再传弟子，曾先后师承于黄秋甸、朱梅邨、王伟平、丁锡康等大师。多年来，他结合不断的笔墨实践，在传统书画方面建树颇深。
无论是崇山峻岭、或是溪流河川，在其笔下都充满当代人文意境，这也使得他的山水画在业内享有“既与古为徒，也与古为新”之称。
尉涧松，上海交通大学工艺美术专业出身，求学期间曾得我的老同学、中国著名陶瓷壁画家郭力教授启蒙，并在上世纪80年代末，留洋日本进修。而想要在水墨创作方面有所突破的他，最终在“火”的指引下，走进陶瓷创作与高温窑变研究的专业领域。
通过对陶瓷工艺和材料属性的充分理解与不断实验，通过对陶瓷与纸本绘画不同特性和规律的融合与把握，尉涧松手下的窑变色彩效果令人惊艳，运用进陶瓷绘画更显格调。
无疑，这是经过极大的探索和实验的。
俗话说“十年磨一剑”，如今，他在高温窑变瓷艺绘画、烧制技术上的成绩已经领先景德镇的许多艺术大师，更是许多纸上画家走进陶瓷创作慷慨的引路人。
在艺术创作的旅途上，尉涧松与陈秋生都已走过将近半个世纪。半个世纪的坚持，对于任何一个工作岗位而言，其“忠心”都“可昭日月”。
工作，永远是社会的热门话题。然而，“艺术家”在普罗大众心中，似乎会被认为是免于正常工作的另一类群体，艺术家的生活自由、不被拘束，是自己时间的掌控者。
这或许只是“艺术家”这一职业较为艺术感的表面。事实上，所有的积累与经验，所有付出的时间与心力又哪里是考勤机可以记录的呢？
英国著名艺术史学家贡布里希对此有十分形象的描述：“艺术家永远要极端的琐碎，甚至极端的挑剔。他所要平衡的绝不止两三种颜色，他的画布上大概有几百种色调和形状必须加以平衡，直到看起来‘合适’为止。一块绿色可能突然显得黄了一些，因为它离一块强烈的蓝色太近——他可能觉得一切都被破坏了，画面上出现了一个刺耳的音符。他必须从头再来。他可能为此苦恼不堪，也可能苦思冥想彻夜不眠，或者整天站在画前，想办法在这里那里添上一笔颜色而后又把它抹去，尽管你我也许未曾察觉二者之间有什么差异。然而，一旦他获得成功，我们就都觉得他达到的境界已经非常合适，无法更改了——那是我们这个很不完美的世界中的一个完美典范。”
的确，为了追求心中完美的效果，为了追求纤毫毕现的视觉差异，艺术家成为自己的严苛“甲方”。他们的“工作”也早已超出“996”级别。艺术家们用时间、用积累、用燃烧的信念全心全意工作着，日日夜夜，费心推敲、质疑自己、挑战自己。
从这种意义上来说，艺术家比任何职业都需要勇气——去打破稳定。而这种坚持和打破本身，便创造了艺术的最大魅力和成绩。
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